• Cadre - Le cadre est maintenu en mobilisant le dos (les coudes ne dépassent pas le torse en compression et ne sont pas tendus en extension), par défaut la cavalière conserve son bras de connexion devant elle avec le coude bas pendant les tours, les bras de repos sont toniques, le cavalier n’effectue pas de torsion/rotation dans le poignet de la cavalière lors de son guidage et plus particulièrement pour la mise en déplacement. Le cadre est souple c’est-à-dire que les bras ne sont pas rigides et le cadre participe à l’amorti des mouvements.

• Connexion - L’exécution des mouvements utilise les principes d’extension et de compression d’une part, est amortie d’autre part, n’est pas anticipée et dépend de la connexion physique. La transmission de l’intention du guidage d’un partenaire à l’autre est efficace. En particulier, le cavalier utilise la connexion pour déplacer la cavalière et la cavalière utilise son placement du corps pour intensifier la connexion selon le point de contact. Les rétroguidages restent ponctuels et sont indiqués clairement au cavalier à l’aide de la connexion.

• Ancrage - L'ancrage est une stabilisation nécessaire, a minima à la fin des passes. Il survient alors lorsque le danseur déplace la verticale de son poids du corps légèrement derrière son pied d’appui de sorte à créer un équilibre partagé avec son partenaire.

• Posture - Correctement travaillée, la posture permet de soutenir le cadre, la connexion et l’ancrage. La bonne posture est constituée d'une attitude droite, avec les épaules ouvertes sur les côtés, la nuque alignée verticalement avec le dos, le ventre gainé, la cambrure du dos limitée, la cage thoracique avancée et le poids du corps rarement posé sur le talon.

• Ligne de danse - La cavalière se déplace selon cette ligne sans en sortir et le cavalier s’écarte de cette ligne lors du passage de la cavalière.

• Fluidité - Les mouvements et les transitions entre figures restent fluides afin d’éviter les à-coups ou hésitations dans la connexion, car ceux-ci peuvent être désagréables pour les partenaires voire les blesser.

• Rapport au sol - La stabilité de l'équilibre et l'activation permanente des jambes sont universelles en danses de couples, mais la manière de se déplacer est spécifique à chacune. Ici, sauf styling particulier, le danseur déroule son pied à partir de la pointe tout en conservant la majorité de son poids sur l’avant intérieur du pied (ceci participant à l’équilibre du danseur), travaille en permanence en en-dehors et s'assure que le transfert de son poids du corps s'effectue progressivement d'une jambe à l'autre (et non instantanément).

• Marquage du rythme - Le rythme de base d'une musique est la succession des pulsations des temps forts et faibles selon un schéma identique (typiquement fort>faible en binaire et fort>faible>faible en ternaire). Ce rythme est à marquer par le danseur au moyen des deux types de pas qu'il peut effectuer dans cette danse, à savoir : des déplacements avec transferts de poids de corps (ou « poses ») ou des mouvements du pied sans transfert (ou « tapes »).

• Structure de pas - Sans être obligé de marquer chacune des pulsations de la musique, le danseur peut choisir des alternances de pas adaptées au genre musical, à la vitesse d'exécution ou aux figures. Les plus communes sont « pose-tape-pose-tape » et « pose-pose-pose-tape» sur un rythme binaire en mesures à quatre temps. Le marquage des demi-temps et des sous-pulsations est autorisé tant qu'il reste occasionnel.

• Éléments musicaux - Chaque musique présente des spécificités, notamment les accents, breaks et séparations des phrases musicales, qu'il est pertinent pour un danseur de savoir souligner. Les variations d’intensité de connexion, du dynamisme des déplacements et des stylings, correspondant aux différentes parties de la musique, sont des éléments musicaux plus sophistiqués mais tout autant importants dans une danse.

• Interprétation - La créativité du danseur peut s'exprimer pleinement lors de l'interprétation, avec des choix de mouvements stylisés et la qualité de leur exécution. Leur cohérence avec la musique est la véritable règle. Concrètement, il s'agit de souligner les contrastes de la musique, transmettre des émotions en accord avec la trame narrative de la musique et éventuellement ajouter quelques stylings inspirés par d’autres disciplines de danse si le style de la musique le suggère.

• Port de bras - Pour des raisons esthétiques et pour ne pas donner de fausses indications à son partenaire, le bras libre reste tonique et maintenu dans une position de repos fixe (généralement replié devant soi). Son port est alors conscientisé.

• Ligne de jambe - La jambe libre participe à l’esthétique de la danse. Par défaut, les pas sans transfert de poids du corps sont marqués avec la jambe libre, soit en rassemblant les chevilles (avec la pointe du pied en contact avec le sol), soit sans rassembler les chevilles (avec la pointe du pied restant en contact avec le sol, la jambe qui se tend et le talon qui descend). D’autres stylings peuvent être utilisés, du moment que les jambes sont assez souvent tendues.

• Reste du corps - Les autres parties du corps participent toutes à la posture et à l'élégance. Par exemple, le danseur apprend à utiliser sciemment les mouvements de tête, d’épaules, de poitrine et de bassin de manière harmonieuse, sans parasiter la technique de base (notamment la qualité de sa connexion).

Cette dimension est notamment travaillée pour les volets « sportif » et « spectaculaire ».

• Interaction public - Le public apprécie toujours être pris en compte et valorisé, qu'il s'agisse de spectateurs, de juges ou d'élèves. Le danseur inclue le public dans son jeu de scène en portant attention aux orientations de son couple (notamment lors de l'exécution des figures). Par ailleurs, les interactions avec le monde extérieur peuvent emporter l'adhésion du public, par des jeux de regards, des mouvements d'inclusion ou des encouragements à l'applaudissement en accord avec la musique et les figures.

• Cohésion du couple - La complicité et l’écoute entre partenaires sont les marqueurs d'une danse réussie, même en « social » ! Des danseurs détendus et interagissant entre eux par le biais de regards et de sourires auront plus de chances de souhaiter pratiquer ensemble à nouveau, sans compter l'effet positif qu'ils laissent au public qui en est témoin. Pour une cohésion réussie, chacun s’adapte aux suggestions de style de l’autre.